GREASE

Esta película es uno de mis musicales preferidos. Cuando apareció a finales de los setenta era un crío. Lo primero que descubrí fue su música, ya que la banda sonora se hizo tremendamente popular. Tanto el tema de "You´re The One That I Want" como "Grease lighting" arrasaron en las listas y en las ventas en este país (y en el resto del mundo), luego le siguieron otros temas como "Sandy" o "Grease". Es evidente que sus creadores se arriesgaron mucho en aquellos años, al editar una banda sonora de dos discos. Esto era algo que no se acostumbraba ha hacer mucho, ya que encarecía el precio del producto y eso se reflejaba en las ventas. Pero la banda sonora es tan buena que se vendió como churros a pesar de ello y menos mal que pusieron los dos discos...
Ese álbum fue mi regalo de reyes de aquel año y sin ni siquiera ver la película (de eso se olvidó todo el mundo), me aprendí el disco de memoria. Lo pinchaba una y otra vez y hasta los vecinos debieron terminar cansados de mi.

Recuerdo quedarme embobado mirando las fotos del interior y contraportada mientras una y otra vez escuchaba las canciones. Fue a finales de los ochenta y gracias a nuestro primer reproductor de vídeo, cuando pude alquilar la película y verla por primera vez. Me encantó y la disfruté mucho, tarde pero la disfruté. Desde entonces la he visto infinidad de veces.

Lo mejor de este tipo de cine es que nace sin grandes pretensiones. Ni su director, ni sus actores, ni siquiera la productora se esperaban tener el éxito que tuvieron y mucho menos vender tantos millones de discos. Así que como producto de entretenimiento se salió, no será una obra maestra para los más "entendidos", pero es una gran película que tiene su mayor virtud en su simpleza. El espectador es el primero que percibe ese buen royo y esa gran química que hay entre los actores. También esa inocencia que despide, es la inocencia de una época nostálgica que muchos solo podemos percibir gracias al filme. Esta ambientada en una etapa muy concreta de Estados Unidos (años 50) y en el resto del mundo las cosas fueron por otros derroteros. Evidentemente es una ficción/comedia que sólo muestra la cara más amable de aquellos años. Pero en ningún momento pretendió ser fiel a nada, sólo entretener. Así que tampoco se le puede echar en cara eso.

Todos y cada uno de sus personajes son encantadores y muy queridos por los fans. Es una película sin malos y/o buenos, ya que incluso la rivalidad entre bandas esta repleta de inocencia. Las interpretaciones de todos sus actores son buenas y en muchos casos excelentes. A pesar de que parezcan papeles no muy complicados de interpretar, tampoco serán tan fáciles cuando años después Grease 2 (1982)  no consiguió absolutamente nada con la misma propuesta, el guión era aburrido, las interpretaciones pésimas y la química entre los actores inexistente. Algo tendrá Grease que les fue imposible copiarla.

Fue nominada al Oscar a la mejor canción por "Hopelessly Devoted to You". Pero los Globos de oro fueron más justos al nominarla a la mejor película (comedia-musical), al mejor actor (John Travolta), mejor actriz (Olivia Newton-John) y mejores canción por "Grease" y "You´re the One that I Want".También recibió el premio a la mejor película en los People´s Choice Awards y el mismo premio en los Golden Screen alemanes.Tanto sus personajes, como sus canciones y muchas de sus famosas escenas y en general el filme entero forman parte de la cultura pop.

La historia comienza con la despedida de Sandy y Danny, después de un apasionado idilio de verano. Toca regresar a sus casas y retomar los estudios. Lo que no se esperan ambos es encontrarse en la escuela de nuevo. Sandy se traslada de domicilio y coincide que su nueva escuela será la misma en la que estudia Danny. Ella lo descubre en su ambiente, rodeado de sus amigos y líder de su banda, "The Byrds". A partir de ahí se sucederán diferentes situaciones hasta terminar juntos de nuevo.
A groso modo sería este el resumen de la película. Como se trata de un musical, gran parte del metraje esta ocupado por canciones, como todos ya sabemos. Lo que reduce siempre la capacidad argumental habitual que podría existir de no ser un musical. Pero como en cualquier musical tiene como contrapartida el aliciente de sus canciones (como refuerzo de los acontecimientos), que es de lo que se trata y lo que termina teniendo más importancia que la propia historia.

Una recomendable y encantadora película que solo tiene en contra el hecho de estar muy vista por la mayoría. Con una estupenda banda sonora y un elenco de actores perfecto para sus respectivos roles. Imposible imaginarse a otros en esos papeles. Una pequeña obra maestra que nos mantiene la sonrisa de principio a fin.

ENCUENTROS EN LA TERCERA FASE

Otro de los clásicos cinematográficos más importantes de la historia es sin duda esta especial y genial visión del fenómeno ovni que Steven Spielberg estrenó en 1977. Una gran obra que esta muy lejos del vértigo y de la acción del cine actual. Pero que despide un romanticismo y un saber hacer que perfectamente queda reflejado precisamente en su lento desarrollo. La falta de espectacularidad no es un inconveniente, el cine antes se hacía de forma diferente y hoy en día nos han dado tanto que ya es imposible que nos sorprendan y que nos contenten. Antes esta película aportó originalidad y grandes efectos que en aquel momento fueron muy innovadores, como todo lo que hacía Spielberg. Para verla hay que cambiar de chip y no pensar que los clásicos de antes son grandes por lo mismo que ofrece el cine de hoy, nada que ver. El cine ha cambiado mucho y la forma de verlo aún más.

La película presenta tres enfoques diferentes del fenómeno. La madre que padece la abducción de su hijo, una persona que presencia un fenómeno ovni y la visión de un experto y entendido en estos fenómenos. Todos ellos se obsesionan con sus experiencias y la situación llegará a su momento cumbre con el encuentro real y la experiencia que ello significará para todos ellos.

Leí en algún lugar que Spielberg se basó en casos reales de contactos con ovnis que se habían registrado en Estados Unidos, para mostrar los momentos más famosos de la película. Como el avistamiento de ovnis en la carretera por diferentes testigos. Aunque nunca se pudieron demostrar que fuesen veraces al cien por cien, como siempre ocurre con estos temas. 

Tuvo gran éxito tanto de crítica como de público y marcó un antes y un después en este género. Hasta la fecha las únicas películas que mostraban extraterrestres eran para destruir la Tierra. Por primera vez se trataba el tema de forma madura, seria y como si se tratase de una realidad, algo que hizo pensar a más de uno.

La película se re-estreno años después con un final extendido, que mostraba nuevas imágenes del interior de la nave y de los extraterrestres, en las escenas finales. En total existen tres versiones diferentes solo en sus escenas finales.

Desde bien joven Steven Spielberg tenía interés por estos temas y el guión de esta película lo fue escribiendo con los años, cambiando constantemente su idea original y transformándolo hasta llegar al resultado final. Fue un proceso lento y se necesitó tiempo y dinero para llevarlo a la gran pantalla. Requería de unos efectos visuales caros y difíciles de conseguir en aquellos años. El dinero llegó gracias a Tiburón (Jaws,1975), su primera película taquillera que le permitió asumir proyectos más exigentes.

La banda sonora se hizo tremendamente popular, hasta el punto que se grabaron versiones para discoteca de la clásica melodía de tonos con la que se produce la comunicación con los extraterrestres. Una simple y original composición que tenía mucho sentido de ser y estar. Porque resulta sensato comunicarse con alguien de otro planeta de este modo, entablando un idioma nuevo, ya que entenderse en inglés, por ejemplo (hubiese sido lo fácil) resulta poco creíble, simple y muy recurrido.

Participaron varios entendidos en la materia que aconsejaron en todo momento a Spielberg sobre como darle un carácter real y creíble a la película, en todos sus aspectos. Para ello había que hacer todo lo contrario de lo que se había hecho antes con estos temas.

François Truffaut interpreta a un personaje que emula a un experto en este tipo de temas que en la vida real se trataba de Jaques Vallée.

Cada personaje, con su experiencia personal, buscarán el encuentro con los seres del otro planeta. El hombre que tuvo su contacto se obsesionará con el tema y entenderá que recibe mensajes directos, dándole datos del punto y lugar del encuentro que se producirá con los extraterrestres. La madre se desplazará a ese mismo lugar para recuperar a su hijo y el experto, con el gobierno detrás, hará lo imposible por disfrutar ese momento. La película mostrará los encuentros que generan la psicosis y todo el proceso que necesitan los personajes hasta entender lo que ocurre e ir al encuentro con los extraterrestres.

Una gran película, una obra maestra que puede no ser del gusto del público actual. Muy acostumbrado a grandes derroches de acción y efectos y donde las historias pasan a segundo plano. Sin dejar de lado ese tipo de cine, también se puede disfrutar de este otro, donde las historias pasan a ser lo más importantes y donde no hay prisa ninguna. Piensen que esto en aquellos años, era cine comercial...

DRÁCULA, DE BRAM STOKER

Esta película me fascinó desde sus primeros minutos de proyección, fue un flechazo. La considero una pequeña obra de arte, a nivel artístico es insuperable. Independientemente de la fidelidad real con la novela, que como suele ocurrir nunca logra clavar el libro, algo por otro lado imposible. La lectura de un libro y su percepción por parte del lector es demasiado subjetiva y, aún siendo muy fiel en el contenido, a nadie le suele gustar la forma de contarlo o de mostrarlo en pantalla. De todos modos, es justo decir, que de todas las adaptaciones, para mi es la que más se acerca al libro.
La perspectiva es nueva con esta película, una visión diferente que convierte el mito de Drácula y  la visión terrorífica del personaje en una historia de amor a través de los siglos. "He atravesado océanos de tiempo hasta encontrarte...".
Las intenciones del filme quedan claras con su subtitulo: El Amor Nunca muere...: por si alguien pensaba ver un Drácula al uso, con capa roja y eso, matando por doquier a quien sea hasta que lo destruyen...

El estupendo trabajo de Gary Oldman como vampiro por amor, es incuestionable. Ayudado claro por un estupendo maquillaje. No en vano uno de los tres Oscar que ganó fue por ello (los otros dos: mejor vestuario y mejor edición de sonido), también fue nominada a la mejor dirección de arte. Indiscutiblemente el vampiro se come la pantalla con cada aparición.

Francis Ford Coppola, su director, consiguió regresar al éxito con ella. La critica también le trató bien y hoy en día su visión del vampiro es tan recordada o más que la de las antiguas películas de Hollywood. Lo que demuestra por si sólo la importancia que tuvo este filme en la cultura pop. Se convirtió en una de las películas más taquilleras del año, algo que el director no conseguía desde hacía mucho, mucho tiempo. Además innovó estéticamente y técnicamente a la hora de la realización de sus bellas escenas. La fotografía es excepcional también.

Tanto Keanu Reeves, Winona Ryder y Antony Hopkins cumplen bien en su respectivos papeles, sobretodo Hopkins como suele ser habitual en él. Pero sobretodo hay que destacar a un Gary Oldman en estado de gracia. Interpretando dos personajes muy diferentes que le han proporcionado una oportunidad como pocas de demostrar esa versatilidad que conocemos de él, pero en una sola película.

La atmósfera que despide el filme es cautivadora y mágica en todo momento. La increíble fotografía y puesta en escena de cada toma es exquisita. Algunos momentos e imágenes serían dignos de enmarcarse en cuadros, de tratarse de fotografías. Esa forma de seducir al espectador es su punto más fuerte sin duda y a la vez lo más novedoso en una película de este género. Tratándose de un personaje como Drácula hubiese sido mucho más fácil tirar por algo más cómodo, barato y experimentado.


Otro tema a tener en cuenta es la banda sonora, otra vez estamos ante un gran trabajo.Una música compuesta por el compositor de origen polaco Wojciech Kilar, que confiere la textura sonora necesaria para crear esa atmósfera que comentábamos tan especial y única. Música e imágenes encajan como un puzzle. (más aquí)

La película comienza mostrando al conde Drácula cuando era tan sólo un guerrero enfrentado a sus enemigos, los turcos. La muerte de su amada Elizabetha, desatará su odio y rabia. Sobretodo en contra de su dios al que servía con devoción y convencimiento.  El hecho de romper con lo divino significo convertirse en lo maligno. Cuatro siglos después de estas escenas, Jonathan Harker viajará hasta la residencia del conde para tratar la firma de las escrituras de unas propiedades que acaba de adquirir en Londres. Esta circunstancia hará que el conde descubra, por casualidad, la foto de Mina, prometida de Jonathan. Mina resulta ser la viva imagen de Elizabetha y el conde retrocede 400 años en el tiempo recordándola y en ese momento sentirá que a recuperado a su amada después de tanto tiempo. La adquisición de los terrenos por Drácula pasarán a un segundo lugar. Sólo le servirán de excusa para trasladarse a Londres e intentar recuperar su amor.

Y de este modo, la historia típica y tópica del vampiro de siempre desaparece y estamos ante una bella historia de amor a través de los siglos. El mundo real nos recordará constantemente ante quien estamos y por ello irán en su busca para matarlo, pero el conde tan sólo pretenderá recuperar a su Elizabetha de nuevo.

En esta versión Drácula existe por rabia y despecho hacia su dios, a quien culpa de la muerte de su amada, no por vocación de vampiro. Aunque su naturaleza lo convierta en monstruo, pues necesita sangre para sobrevivir, sólo lo es de cara a algunos. El espectador termina por sentir compasión del conde y por primera vez en la historia de este personaje, desea que escape de su perseguidor Van Helsin, siente que el amor entre Mina y él debe sobrevivir.

Una genial y visualmente espectacular propuesta que rompe moldes con el personaje. A pesar de tomarse algunas licencias si lo comparamos con el libro (referente al comportamiento y naturaleza de algunos personajes), sigue siendo la película más fiel a la novela de Bram Stoker.

EN BUSCA DEL ARCA PERDIDA

Aún guardo en mi memoria el trailer que emitían en televisión, la frase era "Vuelve el héroe". En algún documental o algún programa de cine de la época explicaron que Steven Spielberg (su director) pretendía hacer un homenaje al cine de aventuras de su infancia y a sus héroes. El malo muy malo y la chica en peligro que es salvada en el último instante...
Lo cierto es que aquella imagen del trailer de, lo que me pareció un vaquero a caballo, no me atrajo en aquel momento. Así que durante casi un año ignoré ese estreno, pasé de la película. Por suerte duraban tanto en cartelera que tenías tiempo de sobra para repensar las cosas y cambiar de opinión. Un día de verano, de esos que uno se aburre hasta lo indecible, decidí ir al cine y ante la falta de interés de la cartelera en ese momento no me quedó otra que elegir esta película. Que cumplía ya un año desde su estreno y ahí seguía.

Disfruté de tal manera que regresé a verla a la semana siguiente y tiempo después arrastré a mi hermano para que me acompañara una tercera vez. De hecho casi me obsesioné, pues incluso me compré el juego de fotogramas que solían mostrar en los escaparates de los cines entonces (que aún conservo). También compré el álbum con la banda sonora y hasta tiempo después encontré la novela. Una adaptación del guión escrita por un tal Campbell Black que no conocía nadie. Era muy habitual que apareciesen este tipo de libros de todas las películas.
Recuerdo que luego llegó Blade Runner y de este modo Harrison Ford se convirtió en mi actor preferido.


Desde la música, el acertado casting o la fotografía del filme eran para quitarse el sombrero. La mezcla de aventuras, acción, tesoros de civilizaciones perdidas y fantasía resultaba muy seductora para mi. Ademas nos presentaba a Indiana Jones, el héroe que no juega a serlo. Pero que al final se arriesga y triunfa, aunque en ocasiones sea más por suerte que por mérito propio. O lo que es lo mismo: el anti-héroe.

Ambientada en las proximidades de la segunda guerra mundial. Con la Alemania nazi y a Hitler obsesionado por encontrar poderes sobrenaturales que le ayuden a someter el mundo. Todo ese poder está personificado en el arca de la alianza. El objeto y las leyendas y misticismo que le rodean envuelven la aventura en un halo de magia muy atractivo.

La película cuenta con momentos míticos. Como el enfrentamiento de Indiana contra un Sigh. Que al final resuelve de forma cómica y más rápida de lo esperado. Ese momento fue el resultado de una broma del actor. Cansado de repetir la escena en la que vencía al gigante guerrero después de una agotadora lucha. A Steven Spielberg le hizo tanta gracia que dio por buena la toma.
También esta la escena de la bola de piedra, recurrida infinidad de veces cuando se muestran imágenes de este filme o la persecución en camión o el famoso episodio con las serpientes...etc.

Mención especial tiene la escena de la sala de mapas. Donde Indiana descubre la ubicación del Arca y que me parece realmente hermosa, gracias también a un momento musical único. La banda sonora adquiere en ese momento proporciones épicas. Para mi es una de las mejores bandas sonoras de todos los tiempos y uno de los mejores trabajos de John Williams (más aqui).

Si analizamos con detenimiento su guión caeremos en la cuenta de que el personaje de Indiana Jones, no cumple ningún cometido útil en la película. Ya que sin él, los acontecimientos hubiesen terminado del mismo modo. Algo que hace más gracia que otra cosa y que no parce ir en contra del filme. De este modo, el anti-héroe es completo, inútil en su esfuerzo, o así lo quiero ver yo. Aunque no estoy seguro de que Spielberg lo hiciera a posta.

Su éxito de crítica y de público generó un par de secuelas más, menos acertadas según algunos, aunque igualmente divertidas. Yo las prefiero por el mismo orden en el que aparecieron, la mejor la primera. Un desastre la cuarta entrega, que no está a la altura y que contiene algunos momentos horribles, nunca debió hacerse.

Una gran película, un ejemplo de cine comercial bien hecho, con una ambientación e iluminación exquisita. En general a nivel artístico y en su parte técnica es perfecta. Tan sólo algunos efectos en las escenas finales resultan complicados de ver hoy en día, ya que los efectos especiales de la época no están ya a la altura de las espectativas actuales. Por lo demás un gran obra de arte.